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Sternberg Press
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Publié suite à l'exposition personnelle de Nathalie Du Pasquier au MACRO à Rome (Museo di Arte contemporanea di Roma), puis au Mrac Occitanie, Sérignan, sa plus grande exposition à ce jour qui a rassemblé plus de cent peintures, sculptures, dessins et gravures, du début des années 1980 à aujourd'hui, ce livre oscille entre catalogue d'exposition et livre d'artiste en juxtaposant des photographies des oeuvres de Nathalie Du Pasquier, des vues d'installation de l'exposition au MACRO et des extraits de textes de divers écrivains et personnalités fondamentales pour sa pratique. Ces éléments s'assemblent pour créer une extension de l'exposition elle-même, sous une forme qui traduit l'esprit de l'exposition : les pages deviennent des espaces d'exposition accueillant des associations et des combinaisons qui permettent une compréhension et une exploration plus approfondies du travail de Du Pasquier, et de son imagination au sens large. C'est un aperçu des possibilités offertes par son oeuvre, qui peut être abordée, interprétée et vécue sous d'innombrables angles. C'est l'immensité et la variété mêmes de son oeuvre et de ses inspirations qui rendent l'exploration de son travail - et par conséquent cette publication - non exhaustive.
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Ronny Delrue ; correspondances #1
Philippe Van Cauteren
- Sternberg Press
- 6 Octobre 2020
- 9783956795190
Cette monographie rassemble une sélection de dessins issus du vaste corpus de l'artiste. Trois auteurs se sont penchés sur cette sélection et apportent leur éclairage tout personnel sur l'importance du dessin dans l'oeuvre de Delrue.
Drawing is thinking, thinking is moving. L'oeuvre aux multiples strates de l'artiste belge Ronny Delrue (1957) peut se résumer par ces mots. Le dessin est depuis des années au coeur de son travail. oeuvre d'art autonome, le dessin est aussi, en tant que concept, la cristallisation directe d'un cheminement fugace de la pensée qui ouvre continuellement la voie à de nouvelles créations. Le dessin est donc non seulement le résultat, mais également le moteur de la créativité de l'artiste, qui ne « dessine » pas uniquement avec un crayon sur du papier, mais aussi avec des photos, de la céramique et d'autres matériaux.
Pour Delrue, dessiner, c'est créer une image mentale. La genèse de l'image et sa signification directe sont pour lui inscrites dans les lignes du dessin proprement dit. Les dessins de Delrue sont donc pour le spectateur l'occasion de découvrir le for intérieur de l'artiste qui, à partir de sa réalité propre - façonnée par les souvenirs, les émotions, les idées -, recrée un peu le monde.
Pour cet ouvrage, Philippe Van Cauteren (directeur du S.M.A.K., Gand) a sélectionné une série de dessins importants dans le vaste corpus de l'artiste. Trois auteurs se sont penchés sur cette sélection et apportent leur éclairage tout personnel sur l'importance du dessin dans l'oeuvre de Delrue.
Publié à l'occasion de l'exposition « Correspondances » au S.M.A.K., Gand, du 26 octobre 2019 au 19 janvier 2020.
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Catalogue de l'exposition de l'artiste au pavillon portugais à la 58ème Biennale de Venise : un projet sculptural prenant appui sur l'héritage architectural et artisanal de l'Italie d'après-guerre.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Pavillon portugais, 58e Exposition internationale d'arts visuels - La Biennale di Venezia, du 11 mai au 24 novembre 2019.
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Sharp tongues loose lips, open eyes, ears to the ground
Hans Ulrich Obrist
- Sternberg Press
- 1 Février 2014
- 9783943365955
Un recueil d'essais qui constituent autant d'éléments de la boîte à outils curatoriaux d'Hans Ulrich Obrist, où apparaissent divers interlocuteurs et inspirateurs : Alexander Dorner, Édouard Glissant, Claude Lévi-Strauss, Jean-François Lyotard, Dominique de Menil, Josef Ortner, Cedric Price, Sir John Soane ou encore Harald Szeemann.
Critique d'art, historien et commissaire d'exposition parmi les plus influents sur la scène internationale, Hans Ulrich Obrist (né en 1968 à Zurich, vit et travaille à Londres) a fondé en 1993 le Musée Robert Walser et a dirigé le programme « Migrateur » au musée d'Art moderne de la Ville de Paris où il a été commissaire pour l'art contemporain jusqu'en 2005. Il est aujourd'hui codirecteur des expositions et directeur des projets internationaux de la Serpentine Gallery à Londres. Depuis 1991, il a organisé ou co-organisé de nombreuses expositions individuelles (Olafur Eliasson, Philippe Parreno, Jonas Mekas, Pierre Huyghe, Anri Sala, Doug Aitken...) et collectives (dont : Do it - plus de trente versions depuis 1994 ; Cities on the Move, 1997 ; première Biennale de Berlin, 1998 ; Mutations, 2000 ; Utopia Station, 2003 ; 9e Biennale d'art contemporain de Lyon, 2007).
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Design by accident : for a new history of design
Alexandra Midal
- Sternberg Press
- 25 Juillet 2019
- 9783956791437
Un manifeste pour l'autonomie du design : l'étude minutieuse d'Alexandra Midal propose non seulement une contre-histoire, mais une nouvelle historiographie du design, mettant en lumière des productions et des figures historiques négligés tout en réévaluant l'héritage fondamental du design des luminaires du XIXe siècle à nos jours.
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On the table 5 - bon! bon! - on the charms of sweet cuisine
Birnbaum Charlotte
- Sternberg Press
- 1 Novembre 2017
- 9783956792748
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Un recueil d'essais de critique d'art, questionnant le trouble « non héroïque » véhiculé par les oeuvres.
Des histoires de morts-vivants de la peinture contemporaine, de la médiation de la douleur, de la photographie flirtant avec la stupidité, de la sculpture et de l'architecture flirtant avec l'animisme, du populisme dans l'art d'avant-garde, de la peur du territorialisme d'avant-garde, de la mise en réseau ambivalente, des abstractions déplacées et des systèmes météorologiques mal placés.
Les essais réunis dans ce volume ont tous été écrits au cours des vingt dernières années - une période pendant laquelle Ina Blom a poursuivi la rédaction de critiques d'art parallèlement à des travaux plus académiques et où les frontières entre les deux genres sont parfois devenues délibérément floues. Dispersés comme ils l'étaient dans une variété de publications d'accès limité - anthologies et livres d'artistes épuisés, catalogues d'art difficiles à trouver, revues et magazinesdivers, Houses To Die In and Other Essays on Art les rassemble enfin, et pas seulement pour des raisons pratiques. Si les textes rassemblés ici ont une chose en commun, c'est une certaine inclinaison vers des projets artistiques qui ne sont pas rédempteurs ou exemplaires, mais qui véhiculent un sentiment de trouble : un trouble activement recherché par les artistes ou vivement ressenti par Blom. Un trouble qui n'a rien d'héroïque. -
Everything You Always Wanted to Know About Curating - But Were Afraid to Ask
Hans Ulrich Obrist
- Sternberg Press
- 1 Juillet 2011
- 9781933128252
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Un recueil de trente textes de la journaliste, critique d'art et de danse et écrivaine américaine Jill Johnston, icône lesbienne et figure du féminisme radical des années 1970, initialement publiés dans sa chronique hebdomadaire pour The Village Voice entre 1960 et 1974, accompagnés de trois essais et de documents d'archive.
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La première étude mondiale des formes contemporaines de cinéma issues des mouvements d'autodétermination politique et culturelle des communautés et des peuples autochtones.
Contributions by Myrla Baldonado, Mayaw Biho, Nadir Bouhmouch, Ricardo Matos Cabo, Carolina Canguçu, Amaranta Cesar, Karrabing Film Collective, Rupert Cox, Nicolas Défossé, Etienne De France, Sophie Gergaud, John Gianvito, David Harper, Aurélie Journée-Duez, Blackhouse Lowe, Caroline San Martin, Laura Langa Martinez, Isael Maxakali, Sueli Maxakali, Dan Taulapapa Mcmullin, Chie Mikami, Francisco Vazquez Mota, Omar Moujane, Marie Pierre-Bouthier, Perrine Poupin, Ariel Arango Prada, Beatriz Rodovalho, Roberto Romero, Jonathan Sims, Mercedes Vicente, Jamahke Welsh. -
1,2,3... Avant-Gardes - Film/Art between Experiment and Archive
/ Zeyfang Ronduda
- Sternberg Press
- 1 Mars 2007
- 9781933128245
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Bordered lives ; immigration detention archive
Christoph Balzar, Mary Bosworth, Khadija Von zinnenburg carroll, Collectif
- Sternberg Press
- 16 Août 2020
- 9783956793714
S'appuyant sur des documents originaux, des photographies et des oeuvres d'art de détenus, cet ouvrage offre un aperçu unique de l'expérience de la détention des immigrants au Royaume-Uni (un projet collaboratif de l'artiste et historienne de l'art Khadija von Zinnenburg Carroll, de l'artiste et commissaire Christoph Balzar et de la criminologue Mary Bosworth).
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Première monographie : une vue d'ensemble du travail de l'artiste norvégien qui explore les représentations de l'autorité et de leurs ambigüités en réactivant un vocabulaire formel « post-minimaliste », partant d'images préexistantes qu'il importe dans le champ de l'art en peinture, photographies ou volumes, souvent de grand format, en noir et blanc.
Au cours des dix dernières années, les expositions de Gardar Eide Einarsson ont suivi une trajectoire thématique cohérente, développant ce que l'on peut appeler une « iconographie de la résistance ». Les signes et les symboles récurrents dans l'oeuvre de Einarsson se réfèrent principalement aux manifestations d'une opposition fondamentale entre un contrôle étatique renforcé depuis le 11 septembre et la résistance de l'individu face à ce pouvoir central.
Cet ouvrage constitue la première monographie de l'artiste. Abondemment illsutré, il contient une vaste sélection de documents relatifs à ses travaux depuis les années 2000 ainsi que trois études sur son oeuvre menées par Bob Nickas, Nick Land et Martin Herbert.
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Les textes critiques sur l'art de Kim Gordon réunis pour la première fois.
Au cours des années 1980 et du début des années 1990, Kim Gordon, célèbre en tant que membre fondatrice de Sonic Youth, a écrit intensivement sur l'art et la musique. Abordant un large éventail de thèmes allant de l'art néo-conceptuel à des formes plus larges de critique culturelle, ces textes rares sont ici rassemblés pour la toute première fois. Ils permettent de repositionner l'activité théorique de Kim Gordon dans le contexte d'une génération d'artistes-critiques à laquelle appartiennent aussi Mike Kelley, John Miller et Dan Graham. Abordant quelques-uns des enjeux essentiels de l'art contemporain, de l'architecture, de la musique et de la performance (masculine et féminine), Kim Gordon fournit une analyse visionnaire de figures telles que Kelley, Glenn Branca, Rhys Chatham, Tony Oursler ou Raymond Pettibon, parallèlement à une réflexion permanente sur sa propre position en tant que femme sur scène, qui n'a rien perdu de sa pertinence aujourd'hui. Le volume contient aussi une conversation entre Kim Gordon et Jutta Koether, au cours de laquelle elles reviennent sur leurs collaborations dans les champs des arts plastiques, de la musique et de la performance.
Kim Gordon (née à Rochester en 1953, vit et travaille à New York) est membre du groupe Sonic Youth et fondatrice du projet Free Kitten.
En 2000, elle a été commissaire de l'exposition d'art contemporain itinérante Kim's Bedroom (présentée notamment au Centre Georges Pompidou à Paris et à Eindhoven aux Pays-Bas) rassemblant ses propres oeuvres et celles d'artistes de renommée internationale tels Cameron Jamie, Mike Kelley, Jim O'Rourke ou Raymond Pettibon.
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Critical spatial practice Tome 4 ; subtraction Keller Esterling
Nikolaus Hirsch, Markus Miessen
- Sternberg Press
- 27 Juin 2014
- 9783956790461
Un traité de la « soustraction » architecturale.
Unbuilding is the other half of building. Buildings, treated as currency, rapidly inflate and deflate in volatile financial markets. Cities expand and shrink; whether through the violence of planning utopias or war, they are also targets of urbicide. Repeatable spatial products quickly make new construction obsolete; the powerful bulldoze the disenfranchised; buildings can radiate negative real estate values and cause their surroundings to topple to the ground. Demolition has even become a spectacular entertainment.
Keller Easterling's volume in the Critical Spatial Practice series analyzes the urgency of building subtraction. Often treated as failure or loss, subtraction - when accepted as part of an exchange - can be growth. All over the world, sprawl and overdevelopment have attracted distended or failed markets and exhausted special landscapes. However, in failure, buildings can create their own alternative markets of durable spatial variables that can be managed and traded by citizens and cities rather than the global financial industry.
These ebbs and flows - the appearance and disappearance of building - can be designed. Architects - trained to make the building machine lurch forward - may know something about how to put it into reverse.
Contributions visuelles de Metahaven.
Keller Easterling (née en 1959) est une architecte, urbaniste, théoricienne (et enseignante) américaine.
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Critical spatial practice Tome 3 ; manifesto architecture ; the ghost of mies
Beatriz Colomina
- Sternberg Press
- 15 Mai 2014
- 9783956790003
Une histoire des écrits et manifestes d'architectes modernes, notamment autour de la figure de Mies van der Rohe, qui constitue par là-même une étude des relations entre écriture et oeuvre construite.
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Première monographie de l'artiste new-yorkaise.
Publié à l'occasion de l'exposition « Lisa Oppenheim - From Abigail to Jacob (Works 2004-2014) » à la Grazer Kunstverein, Hambourg, en 2014.
Lisa Oppenheim (née en 1975 à New York, où elle vit et travaille) développe une oeuvre singulière qui interroge les utilisations de l'image historique. Entre appropriation et recontruction, son travail, des films et des photogrammes expérimentaux basés sur un jeu de substitution et de dé/recontextualisation historique de documents photographiques et cinématographiques d'archives, peut être défini comme une archéologie du temps et de la culture visuelle.
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Nouvelle monographie, juxtaposant les travaux de jeunesse de Genzken avec des pièces produites récemment, centrée autour de certains aspects particuliers de son oeuvre (le motif du miroir, l'architecture et l'espace comme sphère sociale) et de son rapport au travail d'artistes tels que Dan Graham, Gordon Matta-Clark, Jasper Johns, Gerhard Richter, Wolfgang Tillmans ou Lawrence Weiner.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme à la Kunsthalle Wien de mai à septembre 2014.
Bien que les méthodes et les médias soient divers (photographie, vidéo, collages, livres d'artistes), l'oeuvre d'Isa Genzken (née en 1948, vit et travaille à Berlin), construite d'après une logique interne très cohérente, est souvent définie comme sculpturale.
Ses travaux montrent en réalité une certaine ambivalence vis-à-vis des thèmes classiques de la sculpture traditionnelle (organisation des masses et des volumes, relations entre construction, dessin de surface et matériaux, entre les objets, l'espace et le spectateur). Ces thèmes sont réintégrés dans un questionnement sur les relations entre l'espace privé et public, sur l'autonomie artistique et sur l'expérience collective, et replacés dans une perspective socio-politique : comment l'art donne-t-il corps et participe-t-il aux idéologies ?
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Das wunder des lebens ; Jos de Gruyter & Harald Thys
Collectif
- Sternberg Press
- 16 Mars 2015
- 9783943365924
Quelque 500 dessins du duo d'artistes belges rassemblés dans une volumineuse enyclopédie illustrée, mais sans système symbolique ni hiérachie, dans laquelle se mêlent humour noir, auto-réflexion, fiction et réalité, jouant avec les notions de banalité, de normalité et de superficialité.
Publié suite aux deux expositions de Jos de Gruyter & Harald Thys à la Kunsthalle Basel en 2010 et à la Kunsthalle Wien en 2014.
Jos de Gruyter & Harald Thys (nés respectivement en 1965 à Geel et en 1966 à Wilrijk) forment un duo d'artistes depuis la fin des années 1980. Leur oeuvre porte un regard sans complaisance sur le réel. Par le biais de la vidéo, l'installation, le dessin, la sculpture, la performance et la photographie, le duo d'artistes donne corps à leur conception imaginaire du monde parallèle, à la manière dont celui-ci vit dans la psyché humaine contemporaine et se manifeste dans la vie quotidienne et le conformisme social. Des histoires de travail, de loisirs, et de famille, ainsi que des questions concernant la classe sociale, la virilité et la marginalisation sont représentées par une distribution d'acteurs non professionnels, composée de membres de la famille, d'amis, d'objets, de barbes et de marionnettes, le plus souvent dans des intérieurs assez banals, chargés de rapports de force troublés et troublants.
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Nouvelle monographie de l'artiste palestinienne, à l'occasion de son exposition en Norvège (sa première en Europe du nord), pays avec lequel elle entretient un lien étroit depuis ses études et ses premiers projets artistiques à Olso, puis sa participation à la 57e Biennale de Venise sous le pavillon nordique. L'ouvrage propose un panorama des vidéos et des installations produites au cours des dernières années, avec deux essais.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, en 2018-2019.
L'artiste palestinienne Jumana Manna (née en 1987, New Jersey, vit et travaille à Berlin et Jérusalem) est diplômée du CalArts ainsi que de l'Académie nationale des beaux-arts d'Oslo et de l'Académie des beaux-arts et de design Bezalel à Jérusalem. À travers ses films et ses sculptures, l'artiste interroge les façons dont le social, le politique et les relations de pouvoir interpersonnelles interagissent avec le corps humain. Ses films mêlent faits et fiction, détails biographiques et documents d'archives pour explorer la construction de récits historiques et nationaux. Ses sculptures, plus abstraites, se penchent sur les calcifications de la mémoire, représentée par des objets réels ou fabriqués.
Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions personnelles, notamment à la galerie Chisenhale, Londres, Royaume-Uni (2015), à la Malmö Konsthall, Suède (2016), au Beirut Art Center, Beyrouth, Liban (2015), au Sculpture Center, New York, États-Unis (2014). Elle a également participé à des expositions de groupe au sein d'institutions internationales : Kunsthalle Wien, Vienne, Biennale de Liverpool, 20e Biennale de Sidney, 6e Biennale de Marrakech, Jerusalem Show VII, Fondation Al Ma'mal, Henie Onstad Kunstsenter, Bærum... Ses films ont été présentés au 54e Viennale International Film Festival, au 66e Berlinale Forum et à l'IFFR Rotterdam. En 2012, Manna a été lauréate du A.M. Qattan Foundation's Young Palestinian Artist Award et, en 2017, de l'Ars Viva Prize for Visual Arts. En 2017 également, elle a été nominée au Preis der Nationalgalerie für junge Kunst à Berlin.
Voir aussi Jan Paul Evers, Leon Kahane & Jumana Manna.
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“100 Years of Now” and the Temporality of Curatorial Research
Olga Von schubert
- Sternberg Press
- 15 Mars 2019
- 9783956793998
Un essai critique sur la temporalité propre aux pratiques curatoriale et à la recherche artistique, plaidant pour l'ouverture de celles-ci à d'autres formes de pratiques collectives et à d'autres savoirs.
Cet ouvrage est le onzième volume de la série « The Contemporary Condition » éditée par Geoff Cox et Jacob Lund et publiée avec l'université d'Aarhus et le musée d'art ARoS au Danemark. La série questionne la formation de la subjectivité et le concept de temporalité au sein des sociétés contemporaines. Ce projet part du postulat que l'art, dans sa propension à explorer le présent et à l'investir de sens, peut mener au développement d'une meilleure compréhension de la culture et de la société. « The Contemporary Condition » se concentre principalement sur trois sujets de réflexion : la problématique de la temporalité, le rôle des médias contemporains et des technologies computationnelles, et la dimension épistémique des pratiques artistiques.
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Catalogue grand format documentant une installation multicanaux avec laquelle Florian Hecker a transformé la Kunsthalle Wien en espace résonnant, conçue pour produire des effets psychoacoustiques hallucinatoires sur le public. L'ouvrage rassemble des essais de commissaires, de chercheurs, de théoriciens et d'historiens de l'art sur le travail de Florian Hecker et notamment ses relations avec la musique concrète et l'informatique musicale (ainsi qu'avec la poésie de Mallarmé), suivis d'une série de mesures acoustiques et de tableaux de données sur 270 pages, constituant une transcription abstraite de l'expérience.
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Une installation immersive de Wilfrid Almendra basée sur des transmissions radio et une série d'éléments sculpturaux en cuivre, en plâtre et en silicone dans divers états de dématérialisation. Combinant des matériaux trouvés et réutilisés, les oeuvres renvoient aux notions de désir, de circulation et de flux. L'ouvrage rassemble des vues d'exposition, un essai critique d'Anne Faucheret, un texte de fiction de Nicolas Idier, un texte poétique de Jorge Armando Sousa et une conversation entre Wilfrid Almendra, Alexandra McIntosh et Nicolaus Schafhausen.
Publié suite à l'exposition éponyme à Fogo Island Arts, Canada, en 2016.