Une chronologie de l'histoire de l'art signée Bescherelle. Un ouvrage complet, fiable et attractif qui s'adresse à tous les curieux d'histoire de l'art.
Un panorama vivant de l'histoire de l'art - L'ouvrage commence en 1401 avec le concours emblématique pour la réalisation des portes du Baptistère à Florence et s'achève avec un dossier sur l'art dans la mondialisation.
- L'histoire de l'art de la Renaissance à nos jours est ainsi déroulée, sous une forme documentée et vivante, à travers plus de 145 dates clés, donnant à voir les oeuvres fondatrices et les moments clés dont elles sont le symbole.
Une organisation claire, une mise en page rythmée - Au début de chaque période, une grande frise chronologique.
- Au fil des doubles pages, la présentation de chaque oeuvre, l'accent étant mis selon le cas sur sa forme, sa signification, sa réception...
- À intervalles réguliers, des dossiers sur des problématiques transversales ou des genres majeurs de la période considérée.
Une nouvelle Chronologie Bescherelle ! Un récit global et vivant de l'histoire de l'art, qui donne à voir des oeuvres clés tout en éclairant les lignes de force de chaque période.
Un récit qui embrasse tous les arts visuels : la peinture, l'architecture, la sculpture, la gravure, les arts décoratifs, la photographie ou même la vidéo en tant que composantes d'oeuvres contemporaines. Un ouvrage pour tous ceux, très nombreux, qui s'intéressent à l'art ! Une fabrication adaptée avec un papier épais, mettant en valeur les reproductions
Dès avant l'invention du miroir, et pour ainsi dire depuis le premier reflet dans l'eau, le peintre n'a eu de cesse de se réfléchir au travers de sa peinture : réflexion de soi et sur soi, sur son image et son identité, sur la fabrique de son art. C'est cette mise en abyme, cette projection du peintre et de la peinture dans le tableau que ce livre entend explorer.
Cette autocélébration de l'art pictural est étudiée successivement à travers les allégories de la peinture (identifiables à ses attributs et à la mise en avant de ses défis illusionnistes), à travers la tradition de l'autoportrait du peintre représenté le plus souvent les outils de son art entre les mains (palettes, pinceau, chevalet), à travers également l'importance que revêt la signature comme signe d'authentification et comme posture vis-à-vis de la postérité, à travers enfin le représentation de l'atelier.
A quoi s'ajoute toute une dimension scopique (les rapports de l'imitation avec le reflet) de la célébration de la peinture qui relève de la métapeinture à la faveur de laquelle la réflexion narcissique du peintre se porte sur le statut ontologique du tableau. Les thèmes principaux de cette mise en abîme de la peinture sont la représentation du miroir comme symbole de l'imitation et de l'illusionnisme, celle du tableau dans le tableau et l'exaltation du trompe-l'oeil conçu comme autocitation du caractère matériel de la peinture (cadre, toile à nu, revers de tableau découvrant son châssis) ou comme témoin de l'artifice virtuose du pouvoir illusionniste de cette dernière (introduction de la mouche ou des accidents de fêlure des matériaux représentés dans la peinture).
Tubulures de l'industrie chimique et grands pylônes électriques, pales de turbines et torchères pétrolières...
La grande industrie moderne respire une beauté particulière, inquiétante et fascinante. Peu de peintres pourtant s'en sont saisis. Aucun, en tous cas, autant que Reynold Arnould (1919-1980), qui a transfiguré cette industrie dans des toiles d'apparence abstraite à l'occasion d'une grande exposition au musée des Arts décoratifs en 1959.
Artiste typique de la génération d'après-guerre, Reynold Arnould a dirigé les musées du Havre de 1952 à 1965 et inauguré en 1961 dans cette ville le premier musée de conception moderne en France. André Malraux l'appela en 1965 à la direction des Galeries nationales du Grand-Palais. Mais cette brillante carrière de conservateur ne doit pas occulter son oeuvre picturale, inlassablement poursuivie pendant cinquante ans, dont les toiles industrielles sont une composante majeure.
La première partie de cet ouvrage décline le thème de l'industrie chez Reynold Arnould, depuis ses portraits d'automobiles de 1955 jusqu'à ses oeuvres murales des années 1960-1970. La seconde partie éclaire cette peinture par le récit de la jeunesse de cet artiste, de sa rencontre avec le peintre et écrivain mondain Jacques-Émile Blanche en 1934 à sa nomination au Havre en 1952. À travers ce cas singulier: jeune prodige, premier Prix de Rome à vingt ans, professeur de beauxarts dans une université du Texas de 1949 à 1952, c'est aussi un pan d'histoire sociale de la peinture du XXe siècle qui est ainsi mis à jour.
Entre 1957 et la fin de sa vie, l'artiste situationniste et membre du groupe Spur HP Zimmer détourne des centaines de cartes postales. Mêlant l'art d'avant-garde au kitsch le plus grotesque, ces oeuvres convoquent la pensée de Nietzsche pour critiquer la société du spectacle, sans renoncer à une vision hédoniste de la politique et de la vie. Savants et enjoués, les détournements de Zimmer cherchent à affirmer de nouvelles valeurs, transformant le kitsch en une arme redoutable contre le bon gout bourgeois.
Les cartes postales détournées, conservées dans les archives del'artiste, sont publiées pour la première fois dans leur intégralité, et complétées par un essai inédit.
Von 1957 bis zu seinem Lebensende "détournierte" der situationistische Ku¨nstler HP Zimmer, der Mitglied der Gruppe Spur war, hunderte von Postkarten. In einer Mischung aus avantgardistischer
Kunst und besonders groteskem Kitsch knu¨pfen diese Werke an das Denken Nietzsches an, um die Gesellschaft des Spektakels zu kritisieren, ohne dabei von einer hedonistischen Vision von Politik und Leben abzulassen. Gekonnt und spielerisch wollen Zimmers Détournements neue Werte affirmieren und den Kitsch in eine Waffe gegen den gutbu¨rgerlichen Geschmack umwandeln. Die in dem Archiv des Ku¨nstlers bewahrten "détournierten" Postkarten erscheinen zum ersten Mal in ihrer Gesamtheit und werden durch einen unveröffentlichten Essay ergänzt.
